MARCO CRUPI — FOTO DA : https://www.reflex-mania.com/marco-crupi/

 

Marco Crupi, fotografo professionista, influencer e blogger, attualmente residente a Messina, classe 1988; il suo blog fotografico è dal 2008 un punto di riferimento per molti fotografi ed è considerato uno dei siti web di fotografia più letti e seguiti in Italia.

Attualmente è sotto contratto con Panasonic come Global Lumix Ambassador.

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BLOG FOTOGRAFICO DI MARCO CRUPI

 

Breve storia della fotografia di ritratto

 

Breve storia della fotografia di ritratto

 

 

Mathew Brady e Nadar, due figure del XIX secolo, pionieri della fotografia di ritratto rispettivamente in America e in Francia, il loro lavoro suggerisce che la fotografia ritrattistica si presta alla creazione di archivi, facendo assumere uno scopo documentario non previsto dal fotografo stesso per le sue foto.

 

 

 

 

Questa tendenza è esemplificata dal lavoro del fotografo tedesco August Sander, per lui il ritratto fotografico è diventato uno strumento per vedere, studiare e documentare come l’individuo è modellato dalla società e collocato all’interno della cultura e della storia.

 

 

Nel suoi progetti fotografici inerenti il ritratto: Anlitz der Zeit (The Feature of Time, 1929) e Menschen des 20. Jahrhunderts (People of the Twentieth Century) – che non è stato completato a causa della nascita del Terzo Reich di Hitler – Sander ha cercato di delineare il contorno visivo dell’ordine sociale della Germania di Weimar.I ritratti austeri di Sander raffigurano gli individui, ma la loro individualità è secondaria alla sua attenzione rispetto alla loro identità sociale. Infatti Sander non ha mai riportato i nomi dei soggetti ritratti ma solo la loro occupazione o ruolo sociale.

Ogni suo ritratto è distinto, ma le foto di di Sander seguono la logica del confronto, i meccanismi di gerarchie sociali diventano evidenti nelle differenze e somiglianze tra le immagini, soprattutto in abbigliamento, postura e disposizione dei soggetti.

 

 

 

 

Nei circoli di Alfred Stieglitz, i fotografi realizzavano ritratti l’uno dell’altro per costruire un’immagine di ricerca collettiva e di affinità. I grigi crepuscolo e i toni artigianali dei ritratti pittorialisti di Stieglitz e di Edward Steichen servivano ad elevare la fotografia a forma d’arte. La fotografia venne spesso paragonata con disprezzo a semplice strumento di riproduzione della realtà, a causa del procedimento meccanico e automatico richiesto per la produzione delle immagini.

Lo scopo dei pittorialisti alla fine de XIX secolo fu quello di apportare la manualità e il senso estetico necessario per rendere la fotografia un’opera comparabile a quella delle arti maggiori. I fotografi che parteciparono a questo movimento utilizzarono le tecniche e i processi che più rendevano l’immagine simile ad un disegno, adoperando la stampa alla gomma bicromata o al bromolio, gli obiettivi soft-focus o la stampa combinata di più negativi su un unico positivo.

 

 

 

 

 

Per questi motivi, il processo preferito dei primi pittorialisti fu quello della calotipia, dove la superficie irregolare del supporto cartaceo rendeva confusi i dettagli. Spesso gli stessi pittorialisti provenivano da esperienze di pittura o scultura e convertivano le regole delle arti alla pratica fotografica. Influenzati dal movimento dell’impressionismo, i pittorialisti abbandonarono lo studio in favore degli spazi aperti, per meglio catturare lo spirito e la luce della natura.

 

 

 

 

 

 

Anche altri fotografi appartenenti a forme altamente sperimentali di fotografia negli anni 1920 e 1930, come Man Ray, Florence Henri, Maurice Tabard, e Jaromir Funke fecero numerosi ritratti.

 

 

Man Ray ha fotografato figure chiave tra le avanguardie europee cercando di testare la gamma espressiva del ritratto. Il più famoso tra i suoi ritratti è quello fatto all’alter ego femminile di Marcel Duchamp, Rrose Selavy. In questi ritratti, Duchamp si presenta come una modella di moda; indossa un cappello decorato con un disegno geometrico in bianco e nero, le sue mani aggraziate e le dita inanellate sono elegantemente in bilico intorno al collo, il quale è coperto con una pelliccia per attirare l’attenzione sulle labbra, gli occhi sono truccati. Simile nello spirito agli autoritratti del surrealista Claude Cahun.

Consiglio di approfondire l’argomento leggendo il seguente articolo: Man Ray e Marcel Duchamp, la fotografia come opera d’arte.

 

 

In Europa le condizioni sociali erano profondamente differenti rispetto all’America, inoltre i governi non avevano interesse nell’uso della fotografia, perciò la fotografia che più si sviluppa è la fotografia d’autore, a tal proposito consiglio la lettura di questo articolo: La fotografia d’autore e il rapporto con le avanguardie artistiche.

 

 

Come già accennato la fotografia di ritratto in  America era esplicitamente meno sperimentale e più votata alla rappresentazione dell’attualità.

 

La necessità di rappresentare la realtà della sofferenza umana è presente fin dai primi anni del secolo. Jacob Riis, che ha iniziato come reporter per la polizia, ha fotografato gli immigrati che vivevano nelle case popolari di New York, con l’obiettivo esplicito di migliorare le loro condizioni di vita cercando di fare un’opera di sensibilizzazione che portasse verso politiche sociali più progressiste.

La fotografia non sa mentire, ma i bugiardi sanno fotografare. – Lewis Hine

Una generazione più tardi, Lewis Hine ha iniziato la sua attività di fotografo sociale fotografando gli immigrati che arrivavano a Ellis Island. Nel 1908, Hine iniziò a lavorare per il National Labor Committee documentando il pericoloso lavoro minorile.

 

 

Sia Riis che Hine hanno creato fotografie di persone che rivelano il loro posto all’interno di condizioni sociali, storiche ed economiche.

Influenzato dalla coscienza sociale di Hine e dal modernismo romantico di Stieglitz, l’opera di Paul Strand è meglio conosciuta come un adempimento alla “straight photography”. Con la sua attenzione all’austerità fatta di forme astratte Strand ha creato alcuni dei ritratti più conosciuti e interessanti del secolo, quali: Blind (1916) e Washington Square Park (1917).

 

 

 

 

Documentaria è la fotografia della polizia scattata sul posto di un delitto. Quello è un documento. Vedi bene che l’arte è senza utilità, mentre un documento ha un’utilità. Per questo l’arte non è mai un documento, ma può adottarne lo stile. È quello che faccio io – Walker Evans.

Il ritratto era una parte importante, ma implicita dei progetti documentaristici commissionati dalla Farm Security Administration nel 1930. In Let Us Now Praise Famous Men (1936), Walker Evans è riuscito a documentare la vita dei mezzadri poveri durante la Grande Depressione.

 

 

 

In un altro dei ritratti più famosi del secolo “Annie Mae Burroughs” Evans ha creato un design sottile ma convincente, le forme e le linee del soggetto sembrano risuonare con le assi di legno alle sue spalle.

 

La sua foto iconica “Penny picture displays” è composta da un totale di 225 ritratti, nel complesso ci sono più di un centinaio di uomini, donne e bambini: una comunità. Evans ha esplorato gli Stati Uniti del 1930 con l’occhio disinteressato di un archeologo che studia una civiltà antica. La foto potrebbe essere interpretata come una celebrazione di democrazia o come una condanna di conformità. Evans non si sbilancia su nessuna delle due interpretazioni.

 

Migrant Mother di Dorothea Lange è un ritratto ma è anche una fotografia documentaristica, ed è sicuramente un capolavoro del tempo diventato icona della Grande Depressione. Questa foto ci porta quindi ad un’altra tematica che è quella della classificazione delle foto, la quale viene approfondita nel seguente articolo: Il ritratto fotografico e la classificazione delle fotografie.

 

Erich Salomon, conosciuto anche come “Il re degli indiscreti”, è considerato uno dei pionieri del fotogiornalismo. Ha fotografato i potenti ed i personaggi pubblici del suo tempo.

 

Questa foto è considerata la prima paparazzata della storia della fotografia, la persona ritratta è Stresemann, l’allora ministro degli esteri tedesco in viaggio per i negoziati del Patto Briand-Kellogg.

Le immagini di Margaret Bourke-White sono la dimostrazione della sintesi che Life chiedeva ai suoi fotografi: dare corpo alle parole attraverso le immagini.

In questo ritratto diventato iconico del Mahatma Gandhi, sottolinea il significato dell’arcolaio, simbolo dell’indipendenza indiana, collocandolo in primo piano e facendone l’elemento dominante.

 

Credo davvero che ci siano cose che nessuno riesce a vedere prima che vengano fotografate. – Diane Arbus.

Diane Arbus non esprime alcun giudizio filosofico attraverso i suoi scatti, bensì si limita a documentare le sfumature emozionali del mondo circostante, esplicitando la descrizione psicologica del soggetto, in quanto rappresentato generalmente nella sua realtà privata. La Arbus preferiva stringere rapporti intimi e personali con le persone che ritraeva.

Stanley Kubrick, ammiratore dell’opera di Diane Arbus, le diede omaggio nella realizzazione della celebre sequenza del film Shining in cui Danny, percorrendo i corridoi dell’Overlook Hotel, si imbatte nelle gemelle Grady. La posa delle gemelle e la composizione dell’inquadratura sono infatti elementi che richiamano questa foto.

 

 

Un foto ritratto diventato simbolo di lotta e di un intero periodo storico.

La foto di Che Guevara scattata dal fotografo Alberto Díaz Gutiérrez, detto Korda, con una Leica, all’Avana, nel 1960, in occasione della commemorazione delle vittime dell’attentato alla nave “La Coubre”.

La foto però fu pubblicata molto più tardi, nel 1967, dopo la morte del Che, dall’editore italiano Feltrinelli, che la usò tagliando via le persone e gli elementi di disturbo per la copertina del Diario del Che in Bolivia e per i famosi poster del Che. Peraltro si narra che Korda regalò la foto a Feltrinelli e che non ricavò neanche un centesimo da una delle foto più famose di tutti i tempi!

 

 

Una foto iconica nel campo della fotografia di moda, realizzata da Richard Avedon nel 1955. Si può dire che il termine “top model” è stato coniato appositamente per Dovima poiché raggiunse lo stato di supermodella prima ancora che il termine divenisse di uso comune, in quanto era considerata la modella più pagata dell’epoca. L’immagine qui sopra, “Dovima with Elephants” è stata scattata da Avedon al Cirque d’Hiver di Parigi, nel mese di agosto del 1955. L’abito è stato il primo abito da sera disegnato per Christian Dior dal suo nuovo assistente Yves Saint-Laurent.

 

La fotografia di ritratto è un aspetto prevalente della fotografia d’arte contemporanea, in particolare quando si trattano temi di politica inerenti il razzismo, la sfera sessuale e di classe sociale. Nel 1980, gli artisti collocarono il ritratto in un campo culturale e psichico delimitato da due intenzioni: mettere in luce le diverse forze sociali che hanno un’incidenza sulla costruzione dell’identità e promulgare le possibilità sovversive della rappresentazione.

Un esempio è il lavoro di Nan Goldin “The Ballad of Sexual Dependency” pubblicato la prima volta nel 1986, una sorta di diario visivo che racconta le lotte per l’intimità e la comprensione tra i suoi amici ed amanti, che lei stessa descrive come “la sua tribù”. Il suo libro fotografico divenne ben presto il canto del cigno per un’epoca che ha raggiunto il suo picco nei primi anni del 1980. L’influenza di questo lavoro sulle arti visive lo rende un classico della fotografia contemporanea.

 

Tra la fine del 1980 e l’inizio del 1990 Cindy Sherman continuò la sua ricerca nel campo degli auto-ritratti fotografando se stessa all’interno di costumi sgargianti, utilizzando protesi, parrucche e un tipo di trucco molto pesante. I suoi lavori sono spesso senza titolo per non impostare un linguaggio descrittivo alle sue immagini, lasciando lo spettatore libero di immaginare una storia e un possibile titolo.

 

Gli autoritratti sono diventati quasi una regola per ogni artista e fotografo, ma c’è un altro interessante “gioco” molto diffuso in campo artistico, fare i ritratti gli uni degli altri, fotografi che ritraggono scrittori, artisti che ritraggono fotografi e vice versa.

Robert Mapplethorpe ha ritratto Warhol. Warhol ha fotografato Marylin. Leibovitz a Iggy Pop. Mapplethorpe ha ritratto Leibovitz che ha ritratto Mapplethorpe. Avedon ha fotografato Liz taylor e Barbara Streisand. Leibovitz ha fotografato Sontag e Burroughs. Cartier-Bresson ha fotografato Camus. Cecil Beaton ha fotografato Jean Cocteau e Jean Cocteau a Beaton ecc.. Un non stop di artisti che fotografano altri artisti.

 

Lorna Simpson. artista e fotografa afro-americana che ha iniziato la sua attività negli anni ’80, con i suoi scatti ha esplorato le divisioni etniche. Il suo lavoro spesso ritrae le donne di colore in combinazione con un testo, per esprimere la relazione della società contemporanea con la razza, l’etnia e il sesso.

 

Concludo questa breve storia del ritratto con la foto di Sharbat Gula, meglio conosciuta come “Afghan Girl”, una fotografia di Steve McCurry scattata nel 1984. Il suo sguardo sulla copertina del National Geographic divenne il simbolo della condizione dei profughi. È considerata la foto più famosa al mondo.